Los que trabajamos en esto del arte mural, admiramos a los que su destreza llega al punto de engañar totalmente al espectador, ya sea por su perfecta resolución como por su originalidad.

En este caso os mostramos el trabajo de John Pugh y su equipo, que crea realidades imposibles en plena calle o en interiores. Ala, a disfrutar!

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Para quien no le suene de nada el término, la definición de Anamorfosis es un caso extremo de perspectiva, en la que el punto de vista se sitúa a un lado y cerca del plano de la pintura.

Bien, para quien continue sin entender, diriamos que sirve para jugar con el espectador , este tipo de perspectivas crean un efecto óptico que engaña al ojo, haciendole creer una realidad que no existe y que sólo se ve bien desde un punto cerca del dibujo, en el momento que te alejas o miras desde otro extremo la creación, todo parece un galimatías de lineas y colores.

Un ejemplo:

Aqui vemos una anamorfosis de 40 m. de largo que pintamos en el taller de Jordi Castells con la supervisión del maestro y el resultado final una vez instalado en la pared del Institut del Teatre de Barcelona.

Pero, ¿como se hace?

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En el mundo de la escenografía clásica de principios del siglo pasado, los decorados realizados en papel eran muy utilizados por su versatilidad para todo tipo de obras de teatro, ya fuera de pequeño formato como óperas enteras.

Los telones eran reutilizados constantemente y la vida útil de los mismos podía ser  larguísima ( se conservan decorados de más de 50 años) con lo que se requería un mantenimiento eficiente y económico.

Decorado pintado sobre papel para la ópera Aida, realizado en el Taller del Gran Teatro del Liceo de Barcelona.

Este tipo de restauración es muy especifica y sencilla si se sabe como, es un conocimiento que no se enseña ya en las escuelas oficiales de escenografía, se aprende en los talleres con tradición artesanal que se han interesado en conservar técnicas antiguas poco utilizadas.

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Desde el renacimiento se sigue utilizando la técnica de pintar con pigmentos naturales y cola de conejo.

Dicha técnica requiere un aprendizaje para dominar la textura y viscosidad idóneos, pues una mala mezcla produce errores visibles en el  acabado, ya sea por exceso de pigmento ( al tacto se desprende de la superficie y mancha) o un preparado de la cola inadecuado ( con demasiada cola se crean zonas brillantes y se cuartea).

Partimos de dos elementos, el pigmento y la cola.

Los pigmentos naturales, como su nombre indica, parten de elementos de la misma naturaleza, machacados hasta conseguir un polvo fino. Para simplificar un poco diremos que cada color proviene de un mineral o son biológicos, por ejemplo, en el caso de los minerales tenemos que de la arcilla sacamos el siena natural, la sombra tostada, el ocre… de el óxido de hierro obtenemos el rojo óxido, ocre rojo..del zinc el blanco, del carbono  el negro viña, el negro humo, del cobalto el azul de cobalto, el violeta de cobalto, etc, etc.. En el caso de los pigmentos biológicos, tenemos por ejemplo el carmín, que proviene de un animalito muy simpático que se cría en los cactus y que es recolectado , secado y machacado para obtener este color tan brillante que, para el que no lo sepa, es el que es utilizado en la comida, cosméticos, medicina, etc, para crear color rojo vivo ( como helados de fresa, pintalabios, cápsulas de medicamentos…) 

Aquí podemos ver la planta con los grupos de cochinillas como en blanco.

En el caso de la cola de conejo, como su nombre indica, se obtiene de hervir mucho rato pieles de animal hasta conseguir una “goma” natural que sirve de aglutinante. Por suerte, hoy en día venden este pegamento ya listo para su uso, ya sea en forma de escamas o en polvo.

Para utilizarlo en escenografía hay que disolver una porción de cola de conejo en agua, luego calentarlo todo, removiendo la mezcla, hasta que se diluye por completo ( es importante que no queden grumos) sin dejar que hierva. Se utiliza en caliente o en frío, da igual, pero teniendo en cuenta que si baja demasiado la temperatura se vuelve gelatina y hay que calentarlo de nuevo para su uso. Del mismo modo le afecta el exceso de temperatura, haciendo que la cola se descomponga y huela mal.

Por causa de este efecto al frío siempre se han usado vasijas de cerámica para albergar el color, pues si se te cuaja puedes calentar directamente el color al fuego.

La paleta de pintura tiene ruedas para desplazarla por encima del decorado, en ella ponemos potes con los diferentes pigmentos mezclados con un poco  de agua, con textura de yogur, y aparte ponemos la olla de la cola de conejo y un recipiente con agua limpia.

Los pigmentos no se mezclan directamente con el pegamento pues una vez seca la mezcla la no se puede reutilizar, en cambio si se mantienen con agua , aunque se seque siempre se pueden rehidratar.

La mezcla de pintura y cola, a mas pigmento, mas opaca se vuelve, hay que encontrar el punto justo , si no se está seguro, se puede hacer una muestra, secarla y comprobar su estado.

Se trabaja por capas, la primera es para que se tense bien la tela y para darle una tonalidad de fondo que haga desaparecer el blanco, normalmente se utiliza el color siena.

Una vez seca, se pasa el dibujo a tinta, pues con solo tiza o carboncillo lo perderíamos al aplicar pintura encima. Se pinta de oscuro a claro, dando una base del color que toque a cada sitio y marcando bien las zonas de luz y sombra, pues son tonalidades distintas, así, en  la sucesiva capa, iremos marcando los claros y las sombras, con la técnica del claro oscuro tradicional. Finalmente daremos los acabados con el blanco matizado para los brillos y el negro para los rincones si es preciso.

El resultado final será un decorado de tonos muy intensos, totalmente opacos y que no cambiará de intensidad ni de color a lo largo de las décadas. Lo único que lo deshace es el agua, si se moja le pasa como a las acuarelas, los colores se despegan y entremezclan, por eso no se puede utilizar el exteriores y se tiene que proteger de humedades y goteras.

Visita a la última esposición de la Fundació Miró en Barcelona:

La exposición Murals: pràctiques murals contemporànies ofrece una panorámica del renacimiento de las prácticas murales en nuestros días y de la gran diversidad que encontramos en este campo artístico. Las salas temporales de la Fundació Miró son el punto de encuentro y de creación de un grupo de muralistas contemporáneos venidos de todo el mundo. Todos estos artistas utilizan el muro para hacer grandes composiciones, pero cada uno de ellos se aproxima con un estilo y una voz propios. La muestra nos permite comprobar la vigencia y constante renovación de un formato que ha acompañado a la creación humana a lo largo del tiempo.